Актуальные художественные практики

Дарья Пушко

   Искусство в современном мире настолько разнообразно, что иногда невольно задумаешься: искусство ли это вообще? Как справедливо заметила президент московского Музея изобразительных искусств им. Пушкина Ирина Антонова, «перед нами нечто совершенно иное, и его не надо принимать в качестве искусства и называть тем же словом. Не надо прятать за привычным термином «искусство» – надо найти новый, свой собственный». «Факультатив» услышал Ирину Антонову и решил назвать эту статью, а также наш новый цикл лекций «Актуальные художественные практики».
Итак, что же они собой представляют? Какими способами художник взаимодействует со зрителем? Из чего создаются произведения современного искусства?
Какой посыл они в себе содержат? Мы выбрали для вас восемь основных тенденций – восемь художественных практик, которые, появившись в ХХ веке, активно используются современными художниками и сейчас. Свой обзор мы завершаем небольшим экскурсом в современный арт-мир с его событиями и участниками.






Дэмиан Ортега «Контроллер Вселенной» (2007) CC BY-SA 2.0


     1. Искусство и анти-искусство. Дадаизм

В 1916 году, во время Первой мировой войны, в мирном швейцарском Цюрихе группа художников, поэтов и музыкантов любила собираться в богемном кабаре «Вольтер» и вытворять хулиганские и провокационные вещи: декламировать стихи на непонятном языке, надевать странные костюмы, рвать газеты и создавать из этого мусора произведения искусства – коллажи. Называли они себя «дадаистами». Что это значит – непонятно: «дада» – это абсурдное слово (таковым, по сути, было и их искусство). Дадаисты были категорически настроены против любых военных действий. Их нелепые жесты, бессмыслицы всячески высмеивали цивилизованное общество и общепринятые представления об искусстве. Ну а как иначе? Если существует война с её ужасами и насилием - значит, все ценности цивилизованного мира лишь профанация, фикция, миф, который следует развенчать. 
Дадаисты перевернули с ног на голову основные принципы искусства. Они взяли на вооружение иронию, гротеск, абсурд, эпатаж, игру, отсутствие логического смысла – качества, которые определили последующие 100 лет в искусстве. 
Зачем дадаисты занимались этой бессмыслицей? Кто из художников называл себя «волшебным епископом» и почему? Зачем к скульптуре Макса Эрнста прилагался топор? Подробнее об этом мы поговорим на лекции «Искусство и анти-искусство. Дадаизм» 16 сентября 2017 года.


















Курт Швиттерс «Мерц ABCD» (1928)
CC BY 2.0




     2. Искусство и объект. Реди-мейд, ассамбляж, objet trouvé

Ровно сто лет назад, в 1917 году, репутация искусства была совершенно и абсолютно дискредитирована. Художник Марсель Дюшан подорвал основы искусства как серьёзного, вдумчивого способа познания мира, представив в качестве произведения искусства обыкновенный писсуар под названием «Фонтан». Этот художественный жест так сильно повлиял на ход истории искусства, что Дюшан считается теперь одним из самых великих художников ХХ века. Он поместил на первый план идею предмета, а не его воплощение, и провозгласил, что для восприятия важен прежде всего контекст.
Марселя Дюшана можно смело назвать «дедушкой современного искусства» – он задал курс искусства на сближение с жизнью. Любой предмет из повседневного обихода теперь мог стать произведением искусства (так произошло с писсуаром, который стал «Фонтаном», а ранее – с велосипедным колесом, сушилкой для бутылок и вешалкой). Эту изобретённую им новую художественную практику Марсель Дюшан назвал «реди-мейд» (ready-made), что в переводе с английского значит «готовый к употреблению». А что же будет, если выставить не один, а несколько готовых предметов, совместив их? Получится ассамбляж (с французского assemblage – подборка, компоновка, монтаж). Эта художественная практика впервые появляется у Пабло Пикассо в его трёхмерных коллажах, таких, как «Композиция с гитаристом», где в одной работе совмещаются страницы газеты, настоящий музыкальный инструмент и предметы натюрморта.
Что нужно сделать, чтобы обычный предмет стал арт-объектом? Как отличить «готовый объект» (ready-made) от «найденного объекта» (objet trouvé)? Какие современные художники используют эти практики в наше время? На эти вопросы вы узнаете ответы на лекции «Искусство и объект. Реди-мейд, ассамбляж, objet trouvé», которая состоится 21 октября 2017 года.
















Марсель Дюшан «Велосипедное колесо» 
(1964; авторское повторение работы 1913) CC BY 2.0




     3. Искусство красть. Постмодернизм. Апроприация

В начале XX века художники участвовали в своеобразной «гонке первоизобретателей»: каждый творил собственную мифологию, создавал оригинальные идеи и новые направления. Абстракционизм, например, «изобрели» почти одновременно несколько художников в разных странах мира: Кандинский в Германии, Малевич, Ларионов и Гончарова - в России, Мондриан - в Голландии и т.д.
Всё изменилось в 1950-60-е годы, когда художники один за другим стали обращаться к готовым образам, уже существующим в культурном и художественном поле. Подобные заимствования и радикальный отказ от авторства в искусстве принято стало называть апроприацией (от англ. appropriation – незаконное присвоение, кража).
Апроприация стала одним из основных инструментов новой системы художественного мышления, - постмодернизма, определившего искусство второй половины ХХ века – начала ХХI века. Художники начали свободно обращаться к стилям прошлых веков, беззастенчиво копировать работы своих предшественников. Они использовали эти заимствования с целью исследования культурного кода, формирующего современную публику. Постмодернизм играет со зрителем, всеми способами вызывает его ответную реакцию, задействует его культурный багаж, знание контекста, – словом, «активизирует» воспринимающую сторону.
К чему привела такая тенденция? К каким известным картинам обращались художники ХХ века? Стоит ли воспринимать такое искусство всерьёз? Зачем современные авторы прибегают к приёму апроприации? С этим мы будем разбираться на нашей лекции «Искусство красть. Постмодернизм. Апроприация» 11 ноября 2017 года.










Джефф Кунс “Gazing Ball” («Геркулес Фарнезский») (2013)
CC BY 2.0


     4. Искусство и игра. Поп-арт

Когда мы называем Мэрилин Монро «иконой» кинематографа 1960-х гг., задумываемся ли мы, кто сделал её таковой в массовом сознании? Кто создал яркий образ Мэрилин, который неизбежно возникает в нашей памяти? Эту «икону» создал Энди Уорхол. Он взял газетный фотоснимок актрисы, увеличил его, перевёл на шёлк (такой приём называется шелкографией) и яркими красками дополнил образ. Налицо приём апроприации плюс немного раскрашивания, доступного любому ребёнку. Каким образом это стало произведением искусства?
Художники поп-арта брали готовые образы массовой культуры: рекламу, логотипы, комиксы, фаст-фуд, бытовую технику, популярных личностей – и делали из них искусство. Поп-арт возник как реакция на культ потребления в современном американском обществе. К примеру, Клас Олденбург – классик поп-арта – делал аппетитные, но абсолютно несъедобные блинчики, пирожные, сэндвичи и гамбургеры, Энди Уорхол штамповал отпечатки банок с супом «Кэмпбелл» и говорил, что «хочет быть машиной», Рой Лихтенштейн воспроизводил комиксы на холстах огромных размеров, стремясь создать иллюзию типографского растра.
Художники поп-арта, как и дадаисты, очень любили играть со зрителем, шокировать его, сбивать с толку, смеяться над его приземлёнными интересами и стремлением к комфорту. Банальности жизни они пытались придать новый вкус, создавая легко считываемые, но при этом очень противоречивые и парадоксальные работы.
Почему поп-арт не мог возникнуть в СССР? Как гамбургер стал произведением искусства? Стоит ли искать в таких работах что-то глубокое или это всего лишь игра? С этими вопросами мы будем разбираться на лекции «Искусство и игра. Поп-арт» 9 декабря 2017 года.








Энди Уорхол «Банки с супом “Campbell’s”» (1962)
CC BY-SA 2.0


     5. Искусство и идея. Концептуализм

Следующим шагом на пути к демистификации искусства стало лишение его материальной оболочки – «дематериализация» искусства. На первый план вышел замысел (концепция), а его воплощение стало вторичным. «Искусство – это сила идеи, а не материала» – говорил Джозеф Кошут, один из основоположников концептуализма. В своей работе «Один и три стула» Кошут не создаёт ничего нового, кроме нового смысла: он берёт стул как предмет, его фотографическое и словарное воспроизведения. Сопоставляя эти три компонента, он актуализирует различия между оригиналом и копиями, создаёт новые взаимосвязи. Художники-концептуалисты следуют за Марселем Дюшаном, придумавшим практику реди-мейда – они используют в своих работах готовые объекты. Усвоив приёмы поп-арта, они используют в своих работах текст. Но концептуалисты идут и ещё дальше, обходясь иногда и без самого предмета – вместо него зритель (который постепенно всё больше превращается в читателя) находит самые разнообразные описания и воспроизведения предмета: чертежи, фотоснимки, графики, словарные определения, текстовые описания.
Как говорил мэтр русского романтического концептуализма Илья Кабаков, концептуализм - это когда «художник начинает мазать не по холсту, а по зрителю». Как понять, что по вам «мажут»? За что московский концептуализм назвали «романтическим»? Об этом и многом другом вы можете узнать на лекции «Искусство и идея. Концептуализм» 27 января 2018 года.






Джозеф Кошут «Один и три стула» (1965)
CC BY-SA 2.0


     6. Искусство действия. Хэппенинги, перформансы, акционизм

На протяжении ХХ века художники стремились расширить свой художественный инструментарий за пределы одних лишь красок и холста: они стали использовать готовые предметы, создавать работы буквально из всего, что попадалось им под руку. Наконец, в качестве рабочего инструмента они решили использовать тело: модели или своё собственное. Не изображать его (как это было принято в искусстве на протяжении тысячелетий), а изображать им. Например, в перформансе (от англ. perform – «представлять, исполнять») Ива Кляйна «Первый эксперимент с “живыми кистями”» модели наносили краску на полотно собственным телом, а Пьеро Мандзони ставил свою подпись на обнажённых телах натурщиц, превращая их в “живые скульптуры” – свои творения.
Художники действия совершили очередной шаг к демистификации искусства – они разрушили границу, отделявшую зрителя от произведения. Как писал художник Аллан Кэпроу, «граница между искусством и жизнью должна оставаться нестабильной и возможно менее отчётливой». Именно к этому стремились создатели хэппенингов (от англ. happening – «происшествие, случай»): они настойчиво стремились вовлечь зрителя в процесс и сделать его соучастником происходящего.
Кого называют «бабушкой перформанса»? Зачем художник Пьеро Мандзони поместил свои экскременты в жестяную банку и назвал работу «Дерьмо художника»? Считается ли она произведением искусства? Почему музеи современного искусства купили её за большие деньги? Каким образом акционизм вторгается в современный мир? Об этом мы поговорим на лекции «Искусство действия. Хэппенинги, перформансы, акционизм» 10 февраля 2018 года.






Марина Абрамович «В присутствии художника» (2010)
CC BY-SA 2.0




     7. Искусство и пространство. Инсталляция

Слово «инсталляция» произошло от английского install – «устанавливать», сооружать что-либо в пространстве. Инсталляцию в современном арт-лексиконе можно сопоставить со скульптурой в традиционной иерархии видов искусства. Только, в отличие от скульптурных произведений, формы и материалы, используемые для инсталляции, поистине безграничны: топлёное сало, фетр, войлок, мёд – это далеко не полный перечень веществ, из которых художник Йозеф Бойс изготавливал свои инсталляции. За это его невзлюбили музейщики, которым пришлось поломать голову, чтобы найти способ всё это хранить и экспонировать. Зрителей же, наоборот, развлекают, удивляют, поражают подобные арт-объекты – они создают пространство, в котором интересно существовать, с которым любопытно взаимодействовать, которое необходимо «проживать» не только зрением или слухом, но целым спектром чувств: потрогать, пощупать, поиграть, погулять, даже съесть (на это рассчитана инсталляция из леденцов «Без названия» Феликса Гонзалеса-Торреса).
Зачем художники превращают выставку современного искусства в детскую комнату, аптеку или архив? Почему подвешенные за верёвочки рабочие инструменты становятся арт-объектом? Зачем отливать в бронзе мешок с мусором? Почему неубранная постель Трэйси Эмин – это предмет искусства, а наши – нет? Этими вопросами мы займёмся на лекции «Искусство и пространство. Инсталляция» 17 марта 2017 года.






Микеланджело Пистолетто «Венера в лохмотьях» (1967)
CC BY-SA 2.0


     8. Искусство и технологии. Видеоарт и саунд-арт

Современные технологии проникли практически во все сферы нашей жизни, в том числе и в искусство. Художники берут на вооружение все новые изобретения, начиная с фотографии и заканчивая виртуальной реальностью. Технологии становятся обширным полем для художественного высказывания: от позитивистского и активного использования их в качестве нового материала (компьютерная графика, 3D-моделирование) до скептического отношения к миру виртуальной реальности и его ироничного переосмысления, как это сделала группа “Recycle” на Венецианской биеннале 2017.
В 1970-е годы стремительно стало набирать популярность видео, а художники стали использовать его в своих хэппенингах и инсталляциях, и как средство фиксации (видеозапись), и как инструмент выхода за пределы реального мира (телевизионные ящики). Цифровые технологии изменили наши представления о музыке и звучании, перевернули наш слуховой опыт. Всё это привело к возникновению отдельного вида искусства – медиаискусства, разновидностями которого являются, в частности, видеоарт и саунд-арт.
Как кошки на видео Кори Аркенджела играют на фортепиано классику? Каким образом интерактивность повлияла на наше восприятие искусства? Почему на смену «белому кубу» как выставочному пространству пришёл «чёрный куб»? Всё это станет предметом нашего внимания на лекции «Искусство и технологии. Видеоарт и саунд-арт», которая состоится 7 апреля 2018 года.






Нам Джун Пайк «Электронная магистраль» (1995)
CC BY 2.0



     9. Искусство и рынок. Как функционирует современный мир искусства?

Ещё в XIX веке была разрушена традиционная устойчивая система «художник – заказчик», когда в качестве последнего выступали монархи, церковь или состоятельная аристократия. В эпоху импрессионистов на смену ей пришла более демократичная система, когда основным «потребителем» искусства стал средний класс – буржуа, которые посещали Салоны, коллекционировали полотна, поддерживали художников материально и формировали общественный вкус. На XIX и XX вв. пришёлся настоящий «музейный бум», когда искусство стало становиться всё более публичным, а музеи стали приобретать работы современных художников для формирования своих коллекций.
Всё изменилось в начале XXI века – с появлением «сверхбогачей», которые всё чаще и чаще «перехватывают» лучшие произведения искусства у музейных институций, чьи финансовые возможности оказываются гораздо скромнее. В то же время, эти же самые «сверхбогачи» становятся порой спонсорами музеев и оказывают им материальную поддержку в пополнении коллекции и расширении музейного пространства. Например, благодаря российскому предпринимателю и олигарху Владимиру Потанину в Эрмитаже появился «Чёрный квадрат» Малевича. А новое здание галереи Тейт Модерн в Лондоне, открытое в 2016 году, было названо «Блаватник-центр» – в честь бизнесмена-филантропа Леонида Блаватника, сделавшего крупнейшее в истории музея пожертвование в размере около £260 млн (по данным “The Guardian”).
Кто они, меценаты XXI века? Зачем вкладывать деньги в искусство? Всегда ли цена произведения соответствует его ценности? Где, кроме музеев, показывают современное искусство? Этим вопросам посвящён наш цикл статей «Арт-рынок», а также лекция из курса «Актуальные художественные практики» – «Искусство и рынок. Как функционирует современный мир искусства?», которая состоится 12 мая 2018 года.








Ждём вас на лекциях «Актуальные художественные практики» в «Клубе интеллектуального досуга «Факультатив»!

Ссылки на авторов иллюстраций (в порядке появления):
https://www.flickr.com/photos/mariaeklind/
https://www.flickr.com/photos/centralasian/
https://www.flickr.com/photos/duchamp/
https://www.flickr.com/photos/129231073@N06/
https://www.flickr.com/photos/tomasfano/
https://www.flickr.com/photos/lespetitescases/
https://www.flickr.com/photos/sixteen-miles/
https://www.flickr.com/photos/dalbera/
https://www.flickr.com/photos/centralasian/