Советское искусство: иллюстрированная хроника

Дарья Пушко

2017 год отмечен особым юбилеем – исполняется 100 лет со дня Октябрьской революции. Столетие назад началась история не только нового государства – Советской России, к которой в скором времени присоединились другие союзные республики, – но и нового искусства – советского. «Факультатив» решил не оставлять без внимания это событие и подготовил для своих слушателей курс «Советское искусство», а эта статья при помощи иллюстрированной хроники ключевых событий поможет разобраться в том, что подразумевается под этим понятием.

1917

В 1917 году в результате Октябрьской революции к власти в России приходят большевики и власть в государстве переходит Советам. С этих пор всё в новой стране: земля, собственность, граждане, а также искусство – стало советским. Означает ли это, что художественная жизнь России внезапно и резко изменяет свой ход? Нет, здесь по-прежнему продолжают работать художники-авангардисты. Многие из них поначалу находят общий язык с новым правительством, которое видит в искусстве авангарда поддержку и созвучность собственным целям и задачам: созданию «нового человека», построению нового общества (об этом подробнее на лекции «Великий эксперимент. Советское искусство 1920-х годов» 16 февраля 2017 г.).

Примером такого художника является Марк Шагал. В 1918 году он был назначен уполномоченным по делам искусств в Витебской губернии. Под его руководством улицы Витебска преобразились к празднованию первой годовщины Октябрьской революции: их наполнили плакаты, флаги, гирлянды, даже триумфальные арки, созданные по эскизам самого Шагала. В этом художнику помогали студенты созданной им Свободной академии. Всё это положило начало такому яркому художественному явлению как Витебская школа (подробнее о ней вы можете узнать на лекции «Витебская школа» 2 марта 2017 г.).

Однако сотрудничество советской власти и авангардных художников было не таким уж радужным и долго не могло продолжаться. Авангард по своей природе предполагал плюрализм: множественность течений и направлений, свободу мысли и самовыражения. Советской же власти потребовалось нечто более унифицированное, стабильное и единообразное. Результатом этого наметившегося со временем расхождения стало постановление о ликвидации литературно-художественных группировок, что положило конец развитию русского авангарда, которое, тем не менее, не ушло окончательно в небытие, а пережило свой второй расцвет в 1960-е годы.

1934

Искусство периода управления страной Иосифа Сталина принято, по аналогии с политическим строем, определять как «тоталитарное», характеризующееся тягой к монументальности, стандартизации и единообразию в искусстве, массовости, доступности и всеохватности (подробнее об этой эпохе можно узнать на лекции «Сталиниана: искусство на службе власти». Все эти черты начали проявляться постепенно, однако 1934 год стал поворотным моментом этого процесса.
Этот год принято считать годом рождения социалистического реализма (сокращённо – соцреализма). Именно в 1934 году на 1-м Всесоюзном съезде советских писателей Максим Горький впервые провозгласил этот термин, который стал генеральным вектором развития искусства СССР на все последующие годы его существования (с небольшой оговоркой: официального искусства). 

Соцреализм – не стиль, не течение и не направление в искусстве, а метод, согласно которому целью каждого советского художника было создание «правдивого, исторически-конкретного изображения действительности в её революционном развитии», как это было официально сформулировано на правительственном уровне. В качестве задачи власть вменяла искусству «идейную переделку» и воспитание граждан «в духе социализма»(об этом подробнее на лекции «Плохой, хороший социалистический реализм: повседневная жизнь страны Советов глазами художников»). Для выполнения этой задачи прекрасно подошёл «план монументальной пропаганды», провозглашённый Лениным ещё в 1918 году. С тех самых пор монументальность стала неотъемлемой чертой советского искусства, вплоть до смерти Сталина в 1953 году.

Принцип монументальности в искусстве не появился «из воздуха» – это закономерность, черта, свойственная ещё авангардному искусству, таким его течениям, как футуризм, экспрессионизм и конструктивизм. Однако именно в контексте тоталитарной эстетики он становится на службу идеологии, призванный своим величием утверждать превосходство социалистического мировоззрения.

Символом монументального искусства стала скульптура Веры Мухиной «Рабочий и колхозница», созданная в 1937 году для советского павильона на Всемирной выставке в Париже. Идейный замысел этой скульптурной группы принадлежал архитектору Иофану, который при её создании вдохновлялся древнегреческими образцами – скульптурами «Гармодий и Аристогитон» и «Ника Самофракийская».

Самое яркое выражение тоталитарное искусство имело в архитектуре, господствовавшим стилем в которой был так называемый «сталинский ампир». В качестве примера стремления к монументальности можно привести неосуществлённый проект Дворца Советов в Москве, работа над которым велась 1930-50-е гг. (с перерывом в военное время). Это был чрезвычайно честолюбивый замысел, согласно которому здание советского правительства, увенчанное статуей Ленина, должно было стать самым высоким в мире. Для его строительства был взорван Храм Христа Спасителя, однако проект не был осуществлён и на образовавшемся пустыре появился большой открытый бассейн «Москва» (подробнее об архитектуре этой поры можно узнать на лекции «Советская архитектура 20-30-х гг.» 16 марта 2017 г.). 

Главным осуществлённым проектом, ставшим символом целой эпохи в архитектуре, стали «сталинские высотки» – семь высотных зданий, построенных в Москве в конце 1940-х – начале 1950-х годов. Они должны были стать первым шагом на пути к застройке всей столицы высотными домами, однако на смену пышной и эклектичной эпохе сталинской архитектуры пришла хрущёвская «оттепель», положившая конец некоторым тенденциям в искусстве.

В искусстве 1930-х годов параллельно основному идеологическому направлению соцреализма развивались художники со своим видением мира, никак не вмещавшимся в рамки, диктуемые партией. Их искусство можно назвать «искусством частного человека», в противовес стремящемуся к всеобщности и коллективности искусству авангарда и соцреализма. 

По духу и художественным приёмам такая живопись была близка стилю парижской школы, существовавшей в это же самое время во французской столице. К этому направлению относятся лиричные пейзажи Александра Древина, суровые, по-сезанновски аскетичные натюрморты и портреты Роберта Фалька, уникальные поиски в области изобретённого им аналитического искусства Павла Филонова. 

Каждый из них выражал внутренний мир по-своему, считаясь исключительно с собственным замыслом и мироощущением, а не с правительственными указами, вследствие чего мог получить официального признания. Судьбы этих художников закончились трагично: Древин был расстрелян по обвинению в политическом преступлении, Филонов умер в блокадном Ленинграде, Фалька, по словам его друга Ильи Эренбурга, «заживо похоронили», «задушили» кампанией против «космополитов» и обвинениями в «формализме», в результате чего художник не мог продавать свои работы. 

Зато в искусстве они прожили свою подлинную, свободную от идеологических ограничений жизнь, и через призму живописных произведений нам открывается их внутренний мир. (Об этих художниках и в целом об искусстве эпохи вы можете узнать подробнее на лекции «Трагедии и величие советского искусства 1930-х годов: П. Филонов, Р. Фальк, А. Древин»).

1953 – 1968

Эту советскую эпоху, продлившуюся около 15 лет, называют «оттепелью» по названию одноимённой повести Ильи Эренбурга. Начало оттепели положила смерть Сталина в 1953 году и приход к власти Хрущёва. В политике это время отмечено развенчанием «культа личности» Сталина (ХХ съезд КПСС, 1956). В искусстве проходило параллельное явление – «десталинизация», проявившаяся как в идеологическом, так и в художественном отношении.

В 1955 году по инициативе Никиты Хрущёва вышло постановление «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве». Это был конец эпохи советского монументального классицизма, характерного для сталинской эпохи. На смену лепным украшениям фасадов, советской символике в декоре, высоким потолкам и помпезным хрустальным люстрам пришла простая функциональная архитектура, за которой закрепился вызывающий негативные эмоции эпитет «типовая». Идея сама по себе была хорошая: сделать жильё более удобным, современным и функционально отвечающим потребностям советских граждан, однако воплощение замысла оказалось на практике несколько иным, что великолепно обыграно Рязановым в мультипликационной увертюре к фильму «Ирония судьбы, или С лёгким паром». 

1962 год стал поворотным для истории советского искусства, потому что отныне оно стало разделяться на две «ветви»:официальное (то есть, созданное в соответствии с методом соцреализма) и неофициальное (андеграундное, нонконформистское) искусство. В 1962 году в московском Манеже была организована выставка, приуроченная к 30-летию московского отделения Союза художников СССР, на которой экспонировались произведения современных советских художников. Никита Хрущёв, посетив выставку, подверг их творчество резкой, местами нецензурной критике, сделав заключение, что советскому народу такое искусство не нужно. С этого момента авангард, только-только начавший возрождаться в конце 1950-х гг., вынужден был уйти «в подполье» и продолжить свою жизнь на кухнях и в самиздате. 

Параллельно двум полярным ветвям развития советского искусства в конце 50-х – начале 60-х гг. возникает и развивается направление в живописи, которое находится как бы посередине, между официальным и неофициальным искусством – «суровый стиль». Это была попытка вернуться к живописи досталинского периода, то есть уйти от соцреализма, но не в идейном, а в художественном отношении: избежать штампов, обновить и освежить восприятие. Главными героями их картины становились советские люди «суровых» профессий: полярники, рабочие, строители. Заслуга художников «сурового стиля» в том, что они показали «суровые» будни правдиво и возвышенно-романтично одновременно, без пафоса и фальшивой восторженности, свойственной многим произведениям соцреализма предшествующей поры. (Подробнее об искусстве этого периода можно узнать на лекции «Оттепель?! Искусство 1960-х годов: от возвращения к духовности до андеграунда»).

С 1964 года идеологическая цензура стала постепенно восстанавливать утраченные позиции. В феврале этого года был устроен суд над поэтом Иосифом Бродским, на котором он был обвинён в тунеядстве и сослан на принудительные работы в Архангельскую область. В 1966 году состоялся суд над писателями Андреем Синявским и Юрием Даниэлем. Их обвинили в написании и передаче для напечатания за границей произведений, «порочащих советский государственный и общественный строй». Все эти события служили сигналами окончания «оттепели» и наступлении «эпохи застоя».

1974

В 70-е гг. разделение культуры на официальную и «подпольную» только продолжает усиливаться. Набирает силу диссиденстское движение. Одним из ключевых и показательных эпизодов борьбы власти с творческими диссидентами стал разгон художников на так называемой «Бульдозерной выставке» 1974 года. Поскольку власти не давали живописцам-авангардистам возможность выставляться официально, они задумали выставку-акцию под открытым небом. Однако ей не суждено было продлиться дольше четырёх часов: в скором времени на «место событий» прибыло большое количество милиции, которая при помощи поливочных машин и бульдозеров (отчего выставка и получила своё название) разогнала художников и зрителей. «Бульдозерная выставка» вызвала широкий резонанс, в особенности в зарубежной прессе.

На эту тему существует такой анекдот:

«Октябрь 1974 г. Брежнев читает западные и самиздатовские отзывы о «Бульдозерной выставке»: «чудовищное преступление против свободы творчества... красный сапог на горле культуры... варварская выходка... гневно осуждаем... передовая общественность не допустит... деятели культуры протестуют» и т. д.

Леонид Ильич отбрасывает бумаги, закрывает лицо руками и гневно кричит:

— Уроды!! Загнившие, чумазые лапотники! Это же перформанс! Бульдозер, сметающий картины – аллегорическое олицетворение хтонического ужаса, экзистенциальное воплощение протеста против агрессивных тенденций мироздания! Современное искусство обязано шокировать и эпатировать! Боже, какие же они бесчувственные и бескультурные недотыкомки! Что эти дикари вообще смыслят в передовом акционизме?!»

1991

Год распада Советского Союза стал годом освобождения искусства от идеологических оков, сковывавших его более 70 лет. На смену единству пришло вновь разнообразие направлений, нонконформистское искусство вновь получило право на существование и признание и перестало носить статус «неофициального».

Однако смена политического направления опять не обозначала тотальных, коренных и внезапных преобразований в искусстве: на художественной сцене не только остались, но и укрепились, получили всемирную известность живописцы, начинавшие достигшие творческой зрелости ещё в советские годы: Илья Кабаков, Виктор Пивоваров. Это время стало периодом переосмысления ушедшей эпохи, рефлексии и обращения к пережитому, его образам и символам, демифологизации прежних идей – этим занимались и занимаются по сей день Эрик Булатов, Леонид Соков, Борис Орлов. (Этому посвящена заключительная лекция цикла «Мир в начале третьего тысячелетия глазами современных художников»).